Научно-философское общество
Мир через Культуру

Цикл № 3

"Когда я созидаю на века"
Текст вечера, посвященного
Микеланджело Буонарроти

Дорогие друзья! Представляем вам музыкально-литературную слайдовую программу о великом скульпторе и художнике эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти.

С тех пор, как существует искусство, его главной и постоянной темой оставался человек. Через искусство стремился человек выразить собственные представления о мире, который его окружает, в искусстве искал воплощения своих чаяний и мечты, стремился излить свои страдания и прославить красоту, достоинство и героизм.

На протяжении тысячелетий создавались художественные образы в искусстве. Эти образы говорят нам не только о том, каким был человек, но и о том, каким он мечтал быть. Они нам рассказывают о его идеалах, о том прекрасном, к которому он стремился приблизиться как во внешнем, так и во внутреннем облике.

Утверждение красоты человека как выражение его прекрасных внутренних качеств по разному преломлялось в разные времена. Понятие красоты не является чем то стабильным и данным раз и навсегда. Каждая историческая эпоха несла свое представление о человеческой красоте, которое формировалось существующими общественными условиями, характером жизненного уклада, вкусами господствующих классов.

“Не существует различных степеней красоты, существуют лишь разные способы вызывать чувство прекрасного”.

Наличие гармонии, т.е. единства – в многообразии, – это непременное условие и основа всякой красоты. К красоте и гармонии в искусстве может привести только чувство правды, чувство истины, осознанное самим художником.

Глядя на произведения изобразительного искусства, дошедшие до нас из разных эпох и времен, мы начинаем ощущать воздействие того внутреннего содержания, которое вложил в них художник. Мы становимся, как бы их современниками и начинаем понимать стремления, вкусы, интересы того времени.

Так, произведения мастеров Древнего Египта до сих пор продолжают воздействовать на наше эстетическое чувство своей могучей монументальностью и выразительной отточенностью формы в сочетании с изыскано строгой декоративностью.

Античная культура Древней Греции создала тот гармоничный образ прекрасного, свободного и счастливого человека, который и стал идеалом красоты. Этот образ остался недосягаемым во все времена.

Изображение нагого тела приобрело в Греции совершенно особое значение. Оно связывалось с представлением о естественном состоянии в совершенстве развитого, здорового, сильного и прекрасного человека.

На олимпийских состязаниях, на занятиях в гимназиях, молодые люди выступали обнаженными, и образ обнаженного атлета или героя становится ведущим в античной скульптуре, породив впоследствии особое понятие “героической наготы”.

Этот гармонический образ достигался постепенно. Начиная с V в. до н.э. схематичная, пропорциональная, неподвижная фигура стала оживать и превращаться в тело. Тело начало приобретать гибкость и свободу движения, создавая впечатление непринужденности и естественности, которое и связано у нас с представлением об античной красоте. Но это тело являлось только внешней оболочкой и неотделимо от внутренней сущности человека, того сочетания “прекрасного” и “доблестного”, которое лежало в основе греческого искусства.

В античной скульптуре лицо не является главным носителем “выражения” в отличие от Древнего Египта. Прекрасное и невозмутимое, спокойное человеческое лицо, запечатленное скульптором, не отражало еще никаких внутренних переживаний, как бы выражая слова античного поэта:

Именно обнаженное тело и фигура в античной скульптуре выражают внутреннюю сущность человека.

Возвышенная красота и гуманизм античного художественного идеала навсегда остались в глазах последующих поколений как образец непревзойденного совершенства. Величественный образ человека, созданный греческим гением и как бы олицетворяющий собой разумное и светлое начало в жизни, не переставал воодушевлять великих мастеров всех времен и народов. Целые художественные эпохи, как эпоха Возрождения, Классицизм XVIII в. вдохновлялись им в своем искусстве.

В эпоху Византийской империи художественному идеалу античности суждено было претерпеть глубокие изменения и пройти сложную эволюцию вместе с формированием феодального общества. Под влиянием распространившегося христианства искусство все больше стремится подчеркнуть духовную сущность человека, пренебрегая передачей телесного облика.

Со временем человеческие фигура и лицо трактуются все более отвлеченно и условно. Тело становится все более бесплотным, плоскостным, вытянутым и невесомым. Оно скрылось за ломкими складками обильных драпировок, утратило подвижность и выразительность.

Лица, которые смотрят на нас с византийских мозаик и икон напряжены, суровы и сосредоточены в стремлении к высшей, божественной сущности. В эту эпоху ведущим искусством становится живопись и мозаика, а не скульптура, как в Древней Греции.

Западноевропейское искусство эпохи средне¬вековья пронизано влиянием византийской живописи. Излюбленной темой мастеров раннего средневековья была тема священного писания, убедительность и доходчивость его толкования. Но с течением времени художественные образы начинают приобретать индивидуальность и конкретность. В XIII веке культура начинает приобретать более светский характер.

Искусство опять обратило свое внимание на человека. Времена средневековья это времена рыцарства, которому присущи храбрость, благородство, благочестие, а также учтивость, изящество, преклонение перед прекрасными дамами. Таким образом, здесь сочетаются героический и эстетический идеалы, что и стало проявляться в изображении человека. С поклонением прекрасной даме связаны замечательные женские образы этого времени. В произведениях старались выразить конкретные черты характера, присущие человеку. Именно в этом интересе к индивидуальному, в открытии бесконечного богатства духовного мира человека и заключается величайшее значение готического искусства и то новое, что оно дало по сравнению с античностью.

Искусство раннего Возрождения как бы объединяет в единой гармонии заветы античности и средневековья. Снова торжествует могучий человек, но это уже не обобщенный тип, а каждый раз новая ярко-индивидуальная личность со своим неповторимым физическим обликом, духовным складом и темпераментом. По сравнению со средневековьем индивидуальная выразительность обретает здесь более жизненный и конкретный характер. Реализм становится основой движущих сил искусства, которое стремится восславить жизнь и утвердить мощь и достоинство человека, осознавшего силу своего разума и творческих дерзаний.

Огромное значение, которое придавало Возрождение пластической красоте человека, более всего роднит его с античностью. И именно в эпоху Возрождения изображение нагого тела, его красота, которая выражает красоту духа, занимает главное место в искусстве. Итальянский гуманист Лоренцо Валла, писал:

“Красота, великое благо, данное людям и достойное быть помещенным словно в лучах света… отчего и сами одаренные этой красотой и остальные, созерцающие ее, получают наслаждение…”.

“Кто не восхваляет красоту, тот слеп и душой и телом, а если имеет глаза, должен быть их лишен, так как не чувствует, что имеет их”.

Искусство Высокого Возрождения (16 век) принесло во многом иное понимание красоты, чем у художников предшествующего поколения (15 век). Художники Высокого Возрождения стремятся к созданию обобщенного образа совершенного человека, прекрасного физически и духовно, веря в высокое назначение человека и принимая во внимание реализм окружающего мира. Этот идеал не противопоставляется действительности, а как бы извлекается из нее, концентрируя выражение человеческой доблести, красоты и благородства в едином собирательном образе.

Художником, впервые поднявшим образ человека на такую высоту, был Леонардо да Винчи, величайший живописец и теоретик, открывающий искусство нового периода. Главным объектом его изучения становится человек.

Искусство Высокого Возрождения достигает своей вершины в “Сикстинской мадонне” Рафаэля, великого мастера гармонии. Образ человека эпохи Высокого Возрождения обретает непревзойденную силу и величие, в нерасторжимое целое сливаются, как в античности, красота и жизненная правда. Духовный мир, еще не замутненный сомнениями и противоречиями, является во всей своей ясной глубине.

В эпоху Высокого Возрождения изменился и сам идеал красоты. Вместо тонких, стройных, подвижных форм торжествуют могучие, цветущие формы, как бы утверждая торжество жизни. Особенно ярко это выражено у Тициана: “Красивая женщина есть самый прекрасный объект, каким только можно любоваться, и красота – величайшее благо, которое господь даровал человеку.”

В образах, созданных мастерами Высокого Возрождения, с наибольшей полнотой воплотилась радостная жизнеутверждающая сторона Возрождения.

Действенное и героическое начала нашли свое гениальное выражение в образах, созданных Микеланджело. Для Микеланджело ничего не существовало в мире, кроме человека. Именно поэтому скульптура казалась ему наивысшим из всех искусств. Обнаженное тело – это подлинная стихия Микеланджело, сотворившего, как бы новое племя людей, поражающих своей мощью, величием и красотой. Именно у Микеланджело нагота снова обретает свой героический, общественный характер и является не просто объектом восхищения и любования, а одновременно воплощает эстетический и высший этический идеал, утверждая волю к свободе, борьбе и подвигу.

Та внутренняя уравновешенность, невозмутимость и полная гармония с внешним миром, которая была достигнута в творениях Леонардо, Рафаэля, Тициана разрушается у Микеланджело. Он так же создает образ совершенного человека, но покой уже не может быть его уделом. Герой Микеланджело полон мятежного духа, страсти, тоски, он жаждет борьбы и полон борьбы. И эта внутренняя динамика, с потрясающей силой, высказанная в каждом движении и в каждом напряженном мускуле обнаженного тела, делают образы великого мастера полными какой-то удесятеренной энергии, открывая перед человечеством новые художественные горизонты.

А сейчас, обратимся к жизни и творчеству великого мастера эпохи Высокого Возрождения Микеланджело Буонаротти.

В Национальном музее во Флоренции можно видеть мраморную статую, которую Микеланджело назвал "Победитель". Это прекрасно сложенный юноша. Стройный и прямой, он уперся коленом в спину бородатого пленника, который подставляет голову под удар. Но победитель медлит: он в нерешительности отворачивается. Поднявшаяся было рука опустилась к плечу, торс откинут назад: победа уже не прельщает его. Он победил. Он побежден.

Образ героического Сомнения, Поражение в Победе – это сам Микеланджело, символ всей его жизни. “Победитель” - единственное из творений Микеланджело, остававшееся до самой смерти скульптора в его флорентийской мастерской.

Микеланджело был ваятель, архитектор, живописец и поэт. Но более всего и во всем - ваятель.

Микеланджело Буонарроти родился во Флоренции 6 марта 1475 года в семье знатного рода. Кроме Микеланджело, в семье было еще четверо сыновей. Он был вторым сыном. Мать умерла рано.

Мальчик обладал незаурядными способностями, что вызывало особенные заботы отца. В школе он быстро усваивал все науки, которым его обучали. Но его влекло к живописи. И довольно часто, вместо уроков, он общался с художниками и рисовал.

Когда мальчику было 13 лет, отец отдал его в обучение к одному из лучших художников Флоренции Доменико Гирландайо.

Молодые творческие силы кипели в нем. У него был непогрешимо верный глаз, позволявший ему безошибочно судить о своих и о чужих ошибках. И его юношеский задор не щадил никого. Он с одинаковой самоуверенностью мог поправить работу товарища и работу учителя. Гирландайо признавал дарования своего ученика.

Микеланджело стремился перенять весь опыт школы Гирландайо. Он стремился к точному изображению всего, что видел. Однако, для него было гораздо важнее показать не сам предмет, а вызываемые этим предметом чувства. Во время обучения у него уже появились и свои приемы в работе. Нарушая все правила живописи того времени, Микеланджело писал сначала обнаженные фигуры, а затем набрасывал на них одеяние, тогда как все художники обычно писали фигуры сразу в одежде, показывая тело лишь движением складок.

Несмотря на успехи в живописи, Микеланджело не находил удовлетворения в этой работе. Из всех видов изобразительного искусства мальчика больше всего привлекала скульптура. Уже в 14-ти летнем возрасте он для себя решил, что должен стать скульптором. Поэтому, не закончив обучение у Гирландайо, Микеланджело перешел в школу Лоренцо Медичи.

Правитель Флоренции - Лоренцо Медичи, прозванный Великолепным, был человеком глубокой культуры. Он покровительствовал развитию науки, литературы и всех видов искусств. Им была основана художественная школа для одаренных учеников. В эту школу и был принят Микеланджело. Учителем его стал скульптор Бертольдо, у которого он приобрел опыт и новые знания.

Микеланджело с младенчества был возле мрамора: грудным ребенком его отправили к кормилице, жене каменотеса. Впоследствии говорили в шутку, что он с молоком кормилицы всосал свою любовь к мрамору. Поэтому камень он считал особым материалом, благоговейное отношение к которому у него сохранилось на всю жизнь.

С детства Микеланджело начал познавать секреты работы с камнем, которые навсегда стали для него правилами:

“Каждый камень обладает своим особым характером, который надо постигнуть. Обращайся с камнем осторожно. Никогда не доводи до того, чтобы камень погибал от твоих рук. Тогда камень будет работать вместе с тобою. он раскроет себя. Камень отзовется на любовь и умение.”

Он узнал, что мрамор скрывает в себе множество форм: не будь этого, все скульпторы высекали бы из камня одно и то же изваяние. Еще он узнал, что мрамор любит выражать только самые заветные, самые глубокие чувства и должен порождать только красоту.

Приступая к работе над мрамором, Микеланджело должен был видеть его на рассвете. Он знал, что только первые лучи солнца заставляют мрамор высказать о себе всю правду.

Все эти знания давали ему возможность делать свои фигуры живыми, чтобы казалось, что они вот-вот вдохнут в себя воздух и двинутся с места.

Он всегда был тверд и сух, как кремень, но стоило ему заговорить о камне - и он становился поэтом!

Первыми его работами стали рельефы - жанр, наиболее близкий к живописи.

Один из них - “Битва кентавров”. Общий характер этого многофигурного рельефа скорее живописный, чем скульптурный. Мотив его взят из произведений классической древности. Ещё один ранний рельеф - “Мадонна у лестницы”.

В 1492 году умер Лоренцо Медичи. Смерть его была национальным несчастьем для Италии. Для Микеланджело она явилась настоящей катастрофой. Он лишился покровителя. Кроме того, год назад умер его учитель - Бертольдо. Микеланджело вынужден был вернуться к отцу.

Чтобы помочь своей большой семье материально 18-ти летний Микеланджело идет работать служителем в монастырь. В покойницкой монастыря ему представилась возможность изучать внутренние органы человека и их работу, вскрывая трупы умерших. Таким образом, он приобретает знания по анатомии, чтобы затем использовать их в своем любимом деле - скульптуре.

Работая в монастыре Микеланджело не оставляет и творчество скульптора. Он выполняет статую юного Иоанна Крестителя, которая ему была заказана.

Одновременно с “Иоанном Крестителем” он делает скульптуру "Спящего Амура" из мрамора. Скульптура была выполнена очень хорошо и напоминала античное произведение. По совету знакомых Микеланджело придал ей еще более древний вид и отправил в Рим. Хорошо заплатив, "Амура" купил один кардинал, который считал себя знатоком античной скульптуры. Обман вскоре открылся. Это происшествие создало Микеланджело такую известность, что он тотчас же был вызван в Рим.

Рим оказался не только центром культуры, к чему так стремился Микеланджело. Рим того времени, с его Ватиканом и папой, с кардиналами и епископами, - погряз в интригах, коррупции и преступлениях. Такой Рим вызывал у Микеланджело одно лишь отвращение. Это чувство заставило его одной из бессонных ночей набрасывать строчку за строчкой, пока не возникло стихотворение:

В Риме у Микеланджело появилась возможность делать множество зарисовок обнаженных тел, работая в римских банях. Это был тоже ценный опыт. Кроме того, он много времени проводил в библиотеках. Часто предавался размышлениям.

"А отдыхал ли господь Бог на седьмой день своей созидательной работы? В прохладе того долгого вечера, когда он дал себе спокойно сосредоточиться, не спрашивал ли он себя: "А кто будет говорить на земле от моего имени? Надо сотворить там еще одно существо, совершенно особенное. Я назову его "художник". Пусть его заботой будет вдохнуть смысл и красоту во всю поднебесную".

Поклонение античности не погасило христианской веры Микеланджело. Два враждебных тогда мира, мир языческий и мир христианский, боролись за его душу.

Микеланджело получил заказ изваять в течение года мраморную группу, изображающую Оплакивание Христа или Пиета.

В Евангелии Микеланджело читал, что при снятии с креста присутствовало много людей убитых горем. Рыдающие люди лишали Марию возможности оплакать своего сына уединенно.

С самого начала он хотел сотворить из камня только мать и сына - только их, наедине со вселенной. Он решил, пусть место евангельских спутников Марии займут те, кто будет смотреть на изваяние. Они почувствуют, что происходит с двумя человеческими существами, избранными Богом на страдания...

Все, кто увидит изваяние, почувствуют, что мертвое тело сына лежит на коленях невыносимой тяжестью, но еще большая тяжесть легла на ее сердце.

Все эти чувства Микеланджело заставил высказать мрамор.

Микеланджело выполнил работу в срок. Он получил признание за эту работу: за композицию, за высокое мастерство.

Когда скульптура была перенесена на место, начались разговоры, что ее сделал некий миланский скульптор Гоббо. Микеланджело, слыша это, вырезал на скульптуре свое имя. Это единственная работа Микеланджело, подписанная автором.

Когда он, уходя из капеллы взглянул на статую в последний раз, он почувствовал, что Святая Дева - самое одинокое существо из всех созданных на земле. Сейчас она стоит в Соборе Святого Петра в Ватикане под куполом, сооруженным позднее самим Микеланджело.

Темы для своего творчества художники, поэты, музыканты того времени брали из библейских сюжетов.

В творчестве Микеланджело библейские сюжеты также нашли свое отражение.

Тема Богоматери с младенцем Иисусом вылилась в многочисленные образы мадонн.

В 1501 году Микеланджело покидает папский Рим и возвращается в родной город Флоренцию. В это время ему минуло 26 лет. Он был уже сложившимся мастером, одним из первых в Италии. Во Флоренции ему предложили - сделать статую Давида.

В одном соборе находился кусок мрамора, из которого кто-то из скульпторов уже пытался сделать статую. Но работа оказалась не под силу, и художник оставил ее. С тех пор работа предлагалась многим, но никто не хотел за нее браться, ибо по ней прошелся чужой резец, нарушивший ее целостность. Последним, к кому обращались, был Леонардо да Винчи, но мастер тоже отказался от этой работы. Микеланджело принял этот заказ. На следующий же день была готова высокая загородка, скрывшая от чужих глаз тайны его творчества.

В Давиде Микеланджело хотел показать обобщенный образ человека, в котором бы совместились все люди, которые отважились на борьбу за свободу своего народа.

В скульптуре юный воин весь отдался одной мысли: поразить врага. Это чувствуется и по его суровому лицу, и по напряженным мышцам всего тела. Кажется, еще мгновение …, и полетит нехитрый снаряд, чтобы поразить врага насмерть. Согласно Библейскому преданию Давид поразил могучего гиганта Голиафа.

Микеланджело, прежде чем приступить к Давиду, думал:

“В какой же момент он стал поистине великим? Когда он стал гигантом? После того, как убил Голиафа? Нет, наверное, те минуты, когда он решился выступить против него! А легко ли было мирному пастушку расстаться со счастливой пастушеской жизнью и стать на путь воина?!”

Настал день, когда небывало огромное мраморное изваяние повезли по улицам Флоренции. Свое путешествие Давид проделал, вися в огромной подвешенной сетке. Как все крупные события художественной жизни Флоренции, установка Давида на место превратилась во всенародный праздник. Люди верили, что маленькая флорентийская республика может победить своих врагов, как некогда юный мирный пастух Давид победил великана Голиафа.

В 1508 г. папа Юлий II поручил Микеланджело роспись потолка Сикстинской капеллы Ватикана. Но Микеланджело никак не мог решиться взяться за эту работу. Он предлагал поручить ее Рафаэлю. Отговаривался тем, что это не его специальность, ведь он считал себя скульптором. Видя упорство папы, он, однако, согласился. Он опять переезжает в Рим.

В первоначальном виде здание Сикстинской капеллы скорее напоминало крепость. Папа Сикст намеревался его использовать в случае войны для обороны Ватикана, поэтому здание было увенчано зубчатой стеной. Следующий папа закрыл кровлей эту стену. Теперь эту площадку под сводом и должен был расписать Микеланджело.

Увидев здание, Микеланджело понял, что он должен замаскировать неуклюжие архитектурные конструкции великолепными картинами.

О сюжете потолка Микеланджело долго спорил с папой, пока тот не сдался и не разрешил художнику делать, как он хочет. Ему давали полную свободу! Теперь фантазия его могла работать, не стесненная ничем!

Микеланджело открыл Книгу Бытия:

“В начале сотворил Бог небо и землю. Земля же была безвидна и пуста, и тьма над бездною... И сказал Бог: да будет твердь посреди воды... И создал Бог твердь... И назвал Бог твердь небом …”

Прочитав эти строки Микеланджело понял, что Господь тоже начинал творить из пустоты и хаоса. И он пришел к мысли, что свод Сикстины должен быть заполнен новым сотворением вселенной.

В 1508 году был подписан договор и в тот же день он начал работать. Как всегда, он делал все по-своему… Леса, приготовленные для него, он сломал и построил новые. От помощников он отказался.

Ему предстояло написать сотни фигур, вдохнуть в них могущество жизни. Каждому персонажу он должен был придать свой характер, ум, душу, склад тела и божественную мощь.

Созидательные силы, с помощью которых он должен был сотворить эти персонажи, таилась внутри него. А он должен был напрячь эти силы, чтобы создать жизнь вечную.

Он стремился сохранить силу духа и не сломиться, поддержать телесную бодрость и укрепить волю, чтобы постоянно видеть своим внутренним взором иной мир, более героический, чем земной.

После работы, он брел, спотыкаясь, словно слепец, никого не замечал:

"Когда я провел весь день на Олимпе среди богов, как мне снова примериться к этой жалкой земле?"

Если Микеланджело и раньше мог оспаривать первенство у крупнейших художников своего времени, то после этой работы перед его творением не померкла слава только двух - Леонардо да Винчи и Рафаэля Санти.

Эти три имени: Леонардо, Рафаэль и Микеланджело – три вершины Высокого Возрождения, образуют единую горную цепь. Весь опыт, все поиски предшественников сжаты у них в грандиозном обобщении. Они олицетворяют главные ценности Итальянского возрождения – Интеллект, Гармонию и Мощь.

И Леонардо и Рафаэль нашли случай, чтобы выразить свое восхищение плафоном Сикстинской Капеллы.

До Микеланджело дошла весть, что во Франции, отвергнутый своими соотечественниками, скончался Леонардо да Винчи. Затем заболел и вскоре умер совсем еще молодой Рафаэль Санти. Микеланджело остро ощутил, как быстротечна жизнь человека, как ограничен срок, отпущенный на то, чтобы творить и созидать. Для него еще более важными стали мысли и чувства, воплощенные в его произведениях. Ярким примером этому может служить Капелла Медичи.

Капелла Медичи во Флоренции, одно из величайших святилищ искусства. Этот шедевр искусства создан Микеланджело целиком. Здание и украшения, архитектура и скульптура, - все подчинено здесь единой идее, все гармонично.

Микеланджело писал:

“Искусство для меня - это не только высшее призвание, это и любовь, светлая, возвышенная, прекрасная...”

В Капелле Медичи художник творил свободно и смело. Не успел лишь расписать фресками стены.

В нишах сидят два последних отпрыска семьи флорентийских правителей Медичей. Когда ему указывали на отсутствие портретного сходства скульптур Медичи, он высокомерно отвечал, что через десять веков этого никто не заметит.

Покидая Флоренцию навсегда, художник оставил ей на память о себе эту мраморную симфонию в камне. Но симфония эта звучит печально, отражая настроения и чувства художника и его соотечественников ко всему происходящему вокруг.

"Ночь" в образе женщины, которая спит, опираясь локтем на согнутую ногу и поддерживая рукой низко опущенную голову, - самая пластически выразительная и прекрасная из четырех статуй. Ей посвящали стихи. И Микеланджело в ответ на чей-то мадригал, где говорилось, что этот одушевленный камень готов проснуться, ответил четверостишием, ставшим не менее знаменитым, чем статуя:

Эти слова полны горечи и боли. Но остается надежда на то, что камень может проснуться и ожить, когда пройдет “этот век, преступный и постыдный”, когда не будет войн, преступлений, лжи, интриг, когда все отношения будут строиться на гармонии и любви.

Микеланджело было 59 лет, когда он окончательно поселился в Риме.

В 1533 году папа Климент предложил Микеланджело расписать алтарную стену Сикстинской капеллы Ватикана фреской Страшного суда.

Микеланджело принял это предложение. Пять лет ушли у художника на работу над этим произведением (с 1536 по 1541гг.). Современники говорили, что в этой работе Микеланджело превзошел сам себя. Микеланджело изобразил фигуры обнаженными. Но впоследствии, фигуры были одеты в одежды. При этом фреске был нанесен непоправимый ущерб. Так что подлинного "Страшного суда" мы не знаем. Микеланджело было 66 лет, когда он закончил работу. Когда он свыкся с мыслью, что надо писать "Страшный суд", то постепенно сжился с сюжетом, а затем и увлекся. Микеланджело не мог оторваться от связи с действительностью своего времени, поэтому на лицах персонажей отражены все те чувства, что и на лицах живых современников. Недаром его герои написаны им с такой силой и мощью.

Фреска пронизана божественной мощью, которая может и создавать и разрушать. Вверху, повернувшись влево, восседает Христос, непреклонный Судья. Он выносит приговор. Рядом с Христом изображена Мария. Справа от Мессии находятся избранные, слева грешные. В небе собрались ангелы. Внизу слева сцена воскрешения из мертвых. Праведники возносятся на небо. Грешники проваливаются в ад. Микеланджело в своем “Страшном суде” передал смысл “Божественной комедии” Данте - произведения, которое он хорошо знал и любил.

Микеланджело верил, что каждый несет ответственность за свои деяния на земле, что существует внутренний суд человека, и человек должен осознать это на земле.

Еще во время работы над сводом Сикстинской капеллы, к небольшой группе его друзей присоединилась Виттория Колонна, маркиза Пескара, поэтесса, вдова знаменитого генерала. Виттория принадлежала к высшей итальянской аристократии. В 35 лет она овдовела. С тех пор она жила затворницей. Ее друзьями были самые видные деятели культуры и церкви. Виттория целиком отдала себя изучению святого писания, а чувства свои выливала в стихах. Вскоре ее стали звать первой поэтессой Италии.

Когда они познакомились ей было 46 лет, ему - 63 года. Лишь краткий миг в этом пустынном небе просияла холодной и чистой звездой дружеская привязанность Виттории Колонны. От этой дружбы с новой силой вспыхнуло поэтическое творчество обоих. Микеланджело очень любил Витторию. Это была трогательная любовь. Когда Виттория умерла и он прощался с нею, то поцеловал только ее руку, не осмелившись прикоснуться губами к лицу. Это была ничем не затуманенная дружба с женщиной, сумевшей понять этого одинокого и затерянного в мире шестидесятилетнего младенца и немного успокоить его израненную душу. Лучшим памятником этой возвышенной любви остаются его стихи.

Любовь, о которой говорит Микеланджело, очень отвлеченна и обезличена. Это любовь вообще.

Красота и любовь дали его поэзии неиссякаемый источник мысли и сделали его творчество художника и поэта бессмертным.

Площадь Святого Петра в Ватикане. По преданию тело апостола Петра, которого распяли на кресте, было захоронено в этом месте. На площади возвышается самый большой собор христианского мира – Собор Святого Петра.

В 1547 году Микеланджело был назначен архитектором этого Собора.

Прежде чем принять назначение, Микеланджело долго отказывался, повторяя, что архитектура не его специальность. Но согласился при условии, что за работу не возьмет никакого вознаграждения, а будет вести ее из любви к богу. Работа началась.

Куполу в строительстве Собора Микеланджело придавал особое значение. Он был возведен уже после смерти Микеланджело точно по его проекту. Уже в наше время математики определили, что изгиб купола, согласно законам равновесия, дает наибольшую устойчивость всему построению. Расчленение купола на 16 частей, которые суживаются, уносит взор зрителя кверху. Глубокая старость не смогла стать помехой для новой победы могучего гения Микеланджело.

Ватиканский собор – памятник его гению. Собор венчает грандиозный и впечатляющий КУПОЛ МИКЕЛАНДЖЕЛО. Это поэтическая гармония бесконечности. Гигантский свод господствует в небе и сливается с небесным сводом, архитектурной частью которого он кажется. При создании проекта купола великий Микеланджело сознавал чувство абсолютной гармонии и бесконечности, которые с восхитительной силой будут захватывать душу и чувства любого смотрящего на него.

В последние годы он жил возле Капитолия, древнее величие которого возрождал его же гений. В эти годы его чаще, чем раньше, посещала муза.

В старости Микеланджело был окружен ореолом славы, но жажда популярности всегда была чужда ему.

Микеланджело был настоящий итальянский аристократ старинного рода, человек высокообразованный. Он даже мог быть на редкость обаятельным и учтивым кавалером, утонченно вежливым и обходительным. Высшее общество никогда не сторонилось Микеланджело, он сам не желал сближаться с ним. Для Италии он был воплощением ее национального гения и славы. Художники смотрели на него, как на существо высшего порядка. Короли преклонялись перед его величием. Микеланджело чтили не только за его гений, но и за высокую добродетель и глубокие разносторонние знания.

"Хорошая живопись - это как бы сближение, слияние с Богом... Она лишь копия Его совершенства, тень Его кисти, Его музыка, Его мелодия... Поэтому художнику недостаточно быть великим и умелым мастером. Мне кажется, что и жизнь его должна быть возможно более чистой и благочестивой, и тогда святой дух будет направлять его помыслы".

Микеланджело называли "человеком о четырех душах", имея в виду его как скульптора, живописца, архитектора и поэта".

Творчество Микеланджело в поэзии не сливается с журчащим потоком красивых и пустых стихов того времени.

Его стихи привлекают искренностью необыкновенной силой и мощью, также как и скульптурные и живописные произведения.

Когда я созидаю навека,

подняв рукой камнедробильный молот,

тот молот об одном лишь счастье молит,

чтобы моя не дрогнула рука.

Так молот господа наверняка

мир создавал при взмахе гневных молний.

В Гармонию им Хаос перемолот.

Он праотец земного молотка.

Чем выше поднят молот в небеса,

тем глубже он врубается в земное,

становится скульптурой и дворцом.

Мы в творчестве выходим из себя.

И это называется душою.

Я - молот, направляемый творцом.

Микеланджело был богат и щедр для других, забывая о себе. Он жил затворником. Долгих 90 лет он работал, не зная отдыха.

Однако, он все же не успел осуществить многих из своих великих замыслов. Все самые крупные и дорогие ему произведения остались незаконченными. По странной прихоти судьбы, этому скульптору (а он считал себя только скульптором) удавалось завершить лишь живописные работы.

Он умер 18 февраля 1564 года.

Микеланджело был похоронен в своем родном городе Флоренции, желая "вернуться туда мертвым, если уже не приведется вернуться живым". Друг и биограф Микеланджело - Вазари соорудил ему надгробие, под которым до сих пор покоится прах великого художника.

Микеланджело дал миру творения, которым до сих пор нет равных по своей силе, мощи и величию.

В последний миг перед ним ясно предстали все его прекрасные работы, сменяя друг друга с той же поспешностью, с какой шли годы его жизни.

Дорогие друзья! В программе использованы изображения скульптурных и живописных работ великого мастера эпохи Возрождения; прозвучали стихи Микеланджело.